审视西方雕塑发展的一个角度

在当代视野中,整个一部西方雕塑发展的宏观历史,往往以罗丹为界划分为“古典”和“现代”两大块之前是古代希腊雕塑传统一脉贯穿的“古典雕塑之后则是各路大军或单骑独侠争相颠覆古典架构的“现代雕塑”。

人们普遍认为,是法国雕塑家罗丹启动了雕塑变革的引擎,如美国艺术史家阿纳森所言:“罗丹在现代雕塑解放中所获得的成就,是属于第一位的而不是属于哪一类的(阿纳森《西方现代艺术史》)2017高清掷铁饼者人物雕塑
然而,历史长河中的文明推进,并不取决于突兀的个体创造,它终究缘自综合的社会力量。用历史的眼光来看西方雕塑发展史的现代捩转,应该说,并不是罗丹扭转了历史,而是他的艺术实践突出地体现了西方雕塑发展演变在当时的特定指向和要求。绵延整个20世纪并持续至今的现代艺术运动尽管纷乱驳杂,却可以归结出这样一个基本意向:追求不受规范约束的无限空间。

这种终究以个体生命力的自由表现为目的的超越要求,实际上也是贯穿西方古典雕塑发展过程并促进其形态演绎的“灵魂”。

在这旷日持久的演变过程中,罗丹的雕塑实践正好嵌处在这样一个转折点上:推动西方雕塑发展的“狂热的心灵”,穷尽了限于“静穆的法式”的形态演绎,以至需要超越古典规范,在雕塑本体之外继续张扬其自由表现意志。
在西方雕塑发展史上,古希腊雕塑代表着一种美学高度。它所确立的原则或规范,对后来整个西方雕塑艺术的发展产生了深远的影响。从宏观角度来看,它不仅作为人文主义精神的象征直接影响了文艺复兴时期和18世纪新古典主义雕塑艺术的价值取向,而且,还作为雕塑范式为整个古典雕塑的形态演绎提供了基本框架。
1775年,德国美学家温克尔曼发表论文《关于在绘画和雕刻中摹仿希腊作品的一些意见》,他在文中指出:“无论是就姿势还是就表情来说,希腊艺术杰作的一般优点在于高贵的单纯与静穆的伟大。”这个著名的论断从此成为对希腊雕刻艺术的经典阐释,“静穆”也被奉为古典艺术风格的最高表现。

米开朗基罗的大型石材雕塑人物在分析中温克尔曼认为,静穆的古希腊艺术“表现出伟大的沉静的灵魂”,而之所以如此,“最主要的原因在于自由”。这种分析显然存在矛盾—一“沉静的灵魂”当然是不表现情感、动作和个性的灵魂,而一个“自由”的生命又怎能不表现情感、动作和个性?

大家可以理解西方学者的学问自尊,他们为了标举自己的美学风范不惜理想化地看待历史,以致把希腊人描绘成欧洲文明史上的另类—群聪慧贤达、文质彬彬的自由人。

然而,作为一种历史的真实,生活在城邦政治体制下的希腊人,根本不可能保持灵魂的沉静,他们所享有的“自由”和“民主”毕竟是以掠夺奴隶、牺牲奴隶为基础的;

他们爱思考、善辩论、才思敏捷,也狡诈滑头,也凭一时冲动行事,追逐出人头地的名誉:他们轻松活泼、热情快乐,知道游戏人生,会在酒神节上放纵肉欲,达到精神恍惚的癫狂状态:他们独立不羁、互相忌妒和欺骗,即便抵御入侵的团结也勉强得很……对于古代现实中的希腊人房龙虽觉难下公道判断,但还是表示:“我倾向于说,他们是一伙令人寒心的坏蛋。”(房龙(《人类的艺术》)如尼采所洞察的,希腊性格中一方面是秩序和理性,一方面是放纵和本能,存在着“阿波罗”和“狄俄尼索斯”的双这种双重性造就了希腊民族以至于整个西方民族的个性。

关于西方雕塑发展,西方民族性及其学问精神,德国哲学家斯宾格勒作过深刻的透视,在他看来,西方学问具有一种特殊的“浮士德精神”,其基本象征是“纯粹和无限的空间”;他把西方人称作“浮士德学问的人”,认为他们有着“狂热的心灵”和“不可抑制的向远方发展的冲动”,始终“意欲飞跃空间和时间”(斯宾格勒《西方的没落》)。

作为西方学问的先驱,希腊人可能拥有另类“灵魂”吗?大家注意到,西方雕塑发展希腊雕刻是在“活动”中达到其辉煌境界的,就像文艺复兴以来的一种普遍情况—雕塑形态不停地在“扭动”这当然是灵魂不安的表现。显而易见,古风时期的希腊人体雕像还是埃及“正面律”样式的幼稚翻版僵直的正面姿态、粗略的形体结构和陡削的平面处理。那时,他们还不懂得怎样来表现自己。自由女神雕塑高清图

然而,很快地,种被称作“古风式微笑”的表情,就在那些初具自然人体比例和肌肉质感的雕刻上表露出来。作为西方雕塑发展希腊世俗灵魂早先的艺术表现,作为“浮士德学问的人初露的审美情态,这微笑尽管带着几分儿童般的稚气,一种向往无限空间、追求生命自由的意志和冲动却已表现得相当明确了。

再后来,西方雕塑发展希腊雕刻又取得一个重大的突破:人体的重心从两只脚的中间移到一只脚上,另一只脚从此获得解放,以至可以更自由地表现各种运动姿态了。这一突破性的造型方式,被后人名之为“以对立方式保持躯体平衡”。对于“狂热的心灵”来说,通过姿态来舒展和表现自己的空间顿时变得广阔了。

从古风时十期晚期开始,雕刻中的希腊人显得越来越活泼,手脚放开了,身体也在摆动,脸上露出的表情丰富而有神,饱满的情绪使得肌肉逐渐发达起来。

西方雕塑发展为中国雕塑发展带来了很多需要学习借鉴的地方,可以让大家少走很多弯路,希翼更多的优秀雕塑作品能够展现在中国的各个角落。

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  1. 西方文艺复兴: 意大利的文艺复兴是一次著名的历史运动,始于1401年,是学问艺术的一次再生。整个西方学问的常识面貌产生了具大的变化。它不仅恢复了古典时期古典美术的形式和题材中的关于人文主义学问的含义,同时强调以科学的态度观察客观事物,这种艺术作品突出地表现了艺术家对透视学和剖解学的深刻认识。个性的解放和世俗学问是文艺复兴时期的两大特点。这一时期产生了许多杰出的艺术家,其中多那太罗和米开朗基罗是雕塑的杰出代表。被称为“文艺复兴三杰”之一的米开朗基罗的艺术成就不仅仅表现在雕塑上,还深入到美术的各个领域。 巴罗克和罗可可时期: 十七八世纪,受罗马的影响产生了巴罗克和罗可可风格的雕塑。巴罗克雕塑很少是单件作品或单独存在,它的设计以四周的建筑为背景,创造出光影、空气、环境等与雕塑紧密相连的氛围。才华横溢的吉安?洛仑索?贝尔尼尼是雕塑家、建筑师、画家、舞台设计师和作家。这位天才是巴罗克的杰出代表,他把高超的技术和艺术完美地结合在一起。无论在选题方向,还是在制作方面都表现出惊人的艺术洞察力和精湛的技巧。18世纪一些英法雕塑家以一种忠于客观对象的表现手法创造了新型的,通常是肖像的作品,这种风格被称为罗可可。如让?安托万?乌东的《伏尔泰》。 19世纪的雕塑艺术: 19世纪,在欧洲的许多城市广场和公共建筑上安置了一大批显示出卓越技艺的纪念碑和纪念性雕塑。法国著名雕塑家让?巴普希斯特?卡尔普以强烈的浪漫主义精神创作了《舞蹈》。整个作品充满了生气,节奏流畅优美。弗朗索瓦?吕德的浮雕充满了激情和民族自豪感。梅达尔村?罗索把印象派绘画理论用于雕塑,从而把绘画和雕塑融合在一起。他的作品表现了在色光的照耀下雕塑最闪动最精彩的部分,而让其它部分减弱,表现了丰富的光影和人物性格变化。 谈到19世纪的雕塑,不能不提到罗丹。罗丹的艺术天才和独特个性,使他的作品从墨守成规中走了出来。作为一位天才雕塑家,罗丹的秘诀在于善于用雕像的动态和姿势表达内心的情感和内涵,并注入了令人无法忘怀的现实主义和人文主义思想。

    20世纪的雕塑艺术: 20世纪是一个色彩缤纷的时代,各种思潮和流派不断产生并流行,并波及整个世界,如立体派、表现派、未来派、超现实主义、流行主义、抽象构成和照象写实等等,不管这些流派的形式和主张有何不同,他们都是决裂于传统艺术的新形式。 20世纪雕塑的两大主流之一是康丁斯坦?布朗库西(1876~1957)。 布朗库西对现代雕塑的贡献是多方面的。他最重要的贡献是创始了一种具有普遍意义的象征物,这种象征物的雕塑形式简洁、强调形体的基本属性。由于现代生活的急剧变化和快节奏,以及杂乱无章的事物,人们要求在心理上接纳一种单纯的、简洁的艺术形式。另一种是立体派的雕塑,创立人是毕加索,但代表人物是乌克兰出生的亚历山大?阿基本科,他的作品特点是把坚实的平面与挖空的开放的体积对比形成一种独特的节奏和动感,并用凹陷的结构取代原本坚实的甚至凸出的结构使空间流动起来,并探索了正负空间的转换。立体派的代表还有蕾蒙、杜桑?维隆、昂利?洛郎斯、雅克?李普契兹。 在立体派雕塑家创作的同时,意大利雕塑家们也创造了一种不同的风格——“未来派”,恩墙托?波菊尼宣称:“绝对地和彻底地放弃有限的线条和封闭的雕塑。”“让大家把人体打开,把环境关闭到人体里面去。” 在这两大主流之外较著名的流派还有构成派。构成派雕塑家瑙姆、加博、安?培布索奈(1886~1962)在创作中,用一种新的方式把物体所占有的空间进行了新的塑造,他们提出用空间、时间来取代量感,也通过构成雕塑寻求一种建筑新型的表现形式,对建筑作出了重要的贡献并采用和探讨了新型材料,从而把雕塑要素与建筑要素完美地结合在一起。 现代雕塑时代: 罗丹为传统雕塑艺术划了一个句号。此后,西方雕塑进入一个新的时代——现代雕塑时代。 所谓“现代雕塑艺术”,是指罗丹、马约尔之后的西方雕塑艺术,雕塑家们企图摆脱古典雕塑的束缚,追求新观念、新价值,并采用新的表现形式。这种艺术流派,统称现代派。现代派的艺术家们远离理性,接近感性,不再模仿自然,开始“脱离自然”,“安排自然”,“表现自然”,“剖解自然”,“感受自然”,把自己融化到自然中去。 总的说来,现代派艺术家重感性和主观内在的精神表现,用感觉代替观察,运用综合、抽象和半抽象代替具象,不再表现客观存在的形,而努力追求发掘自我心灵的形,否定艺术的功利性,认为艺术只是有意味的形式。现代艺术是传统艺术发展的必然,也是现代社会在艺术家

    精神上反映的产物。 综观公元20世纪西方美术创作的基本倾向,出现了表现、抽象和象征三种趋势。在这类艺术家中突出的是布朗库西,他对于现代雕刻的影响犹如马蒂斯和毕加索对现代绘画的影响一样。

  2. 西方的雕塑发展,大致可以分为三个部分:史前雕塑、古典雕塑、现代雕塑。

    史前雕塑的时间漫长,其演变反映厂史前人类学问逐渐丰富的过程,在这—时期没有明显的地域性分别,所以它标志着整个人类文明的最初探索,而并不单一的代表某一民族。

    古典雕塑时期是各民族自身学问的形成时期,它十接反映出了不同时代和不同地域所产生的学问的差异。此时的雕塑逐渐从人类的共性中独立出区域学问的个性,并且形成不同的传统,不同的地域,不同的民族依照各自的传统继承、发展和演变。这一时期在西方主要是指从占希腊古罗马学问的形成到十九世纪末现代雕塑的出现为止。在我国主要是指从殷商学问到“五四”新学问运动。

    现代雕塑时期雕塑艺术的形式呈现出多元化局面,民族性和区域性特征已不再明显,这一时期的雕塑以艺术家张扬自身个性为特征。艺术的地域性和民族性差异逐渐被消解。现代雕塑主要是指从十九世纪末至今。

    神秘的史前雕塑

    一件史前时代的艺术品展现在人们面前,就象越过了苍茫的时空,来自遥远的过去的使者,它们或许是质朴、粗糙的形体或许是破败的残片,然而却激起了人们无限的惊奇和对于茫茫远古的遐思。比较著名的史前雕塑有两个维纳斯,一件是距今25000年前的威伦道夫的维纳斯,另一件是距今大约15000午前的维斯普格的维纳斯,这些滚圆丰满的妇人形象,表达出原始人对丰产的象征性渴望,也表明人是如何执意要留下自己的痕迹,要在现实的世界上打下自己的记号。

    辉煌的古典雕塑

    西方雕塑的传统发端于古希腊和古罗马学问,但古希腊雕塑却又曾被古埃及雕塑深深的影响过,所以让大家先来回顾一下古埃及的雕塑。大约在公元前4000年左右,埃及的雕塑突然兴盛起来,并且形成了人类雕塑史上的第一个全盛时期。占埃及雕塑有着准确的造型、风格化的语言和相当内在而神秘的精神风貌。在古王朝时期出现了大量纪念碑似的雕塑,有的甚至是可以令全人类为之骄傲的杰作,最有代表性的是吉萨的狮身人面像,它有20米高50多米长,仅面孔就高达5米,它和临近的金字塔一起构成了建筑之谜。它在造型上服从于“正面律”程式,似乎是一个狮身人面,带着国王的头巾,与某位法老的肖像比较接近,它是当时埃及雕塑具有祭祀和宗教功能的反映。它和别的法老肖像一样在形式上给予人的印象是:庄严、雄伟、浑厚、稳固、犹如不可动摇的大山.

    无论是狮身人面像、法老的肖像、或是别的古埃及雕塑,它们都是恒古不变的遵循着“正面律”的程式,透过它们,大家可以感受到古埃及雕塑的审美理想是追求“永恒”。而古希腊雕塑的审美理想则是追求“真实的美”。希腊雕塑家创造了越来越凭艺术家灵性和天赋使雕塑作品达到新颖活泼的形式,并一点一点的从平面趋向小的起伏。尽善尽美的境界。于是给大家留下了《掷铁饼者》、《米洛的维纳斯》等写实性雕塑的千古典范。古希腊雕塑的发展大致可分为三个阶段:古风时期、古典时期、希腊化时期。在“古风时期”希腊雕刻处于“摸索”阶段,它借用埃及雕塑的“正面律”法则来制作人像,形成了“古风”程式,这一时期的雕像形体大都比较古措、僵直,雕像的重心总是落在双足之间。到了一批制作于公元前五世纪的青年裸体立像被发现时,人们看到旧的程式被突破了,人体的重心落在了一只脚上,整个人体因而放松,显得自然、真实。于是这一批青年裸体立像的出现标志着希腊雕塑进入“古典时期”。 “古典时期”即希腊雕刻的全盛时期,这时的希腊雕塑在追求“真实的完美”,追求客观真实之美的境界已经到了登峰造极的程度。在学问史上通常把从从亚历山大远征远征开始到埃及托勒密王朝臣服于罗马帝国的历史阶段称为“希腊化时期”。“希腊化时期”的题材相当丰富,出现的地区也十分广泛,从某种意义上讲形成了一种学问的扩张,其影响覆盖了整个欧洲,并且成为了整个西方艺术的奠基,其崇尚客观真实之美的学问便是西方文明讲究思辩性、讲究客观之真的最初体现。希腊雕塑创造了一种美的综合,对于人体本身也充满了赞美,这些大家可以从这一时期的许多裸体雕塑上得以体会。反过来说崇尚裸体的风俗也给厂写实雕塑语言的发挥以淋漓尽致的机会。

    在希腊被罗马帝国征服以后,西方的学问艺术中心由希腊转移到了意大利早期的城市,罗马人虽然征服了希腊的国土,但在学问上它却是一个被征服者。罗马人大量的复制和学习希腊的雕塑,今天所遗留下来的一些古希腊雕塑都是罗马时期的摹制品。罗马雕塑沿袭了希腊雕塑追求“真实之美”的传统,但比希腊时期的雕塑更加的世俗化,在罗马时期许多军事家或政治家都要求雕塑家为他们塑造肖像,甚至罗马人还经常性的用雕塑来留存死者的形象。这客观的在写实的道路是又迈出了坚实的步伐。罗马雕塑的成就主要是表现在肖像雕塑和纪念碑雕塑上,这些肖像雕塑不仅形似,同时还十分的讲究表现人物的性格特征。比较著名的有《奥古斯都全身像》和《卡拉卡拉像》。此时在纪念性雕塑上以宏伟和庄严取代厂过去的优美典雅。

    随着公元五世纪西罗马帝国的灭亡,开始了被后人称之为黑暗的中世纪,它在15世纪的意大利文艺复兴的黎明前结束。中世纪的到来标志着西方进入了基督教时代。这一时期宗教对雕塑产生的很深的影响,墓督教的禁欲主义思想影响了雕塑家创作灵感。当时的雕塑作品大多是带有浓厚的禁欲主义色彩,艺术中所体现的宗教精神倾向在中世纪达到丁顶点。在墓督教精神的哺育之下,哥特式艺术取得了辉煌的成就,哥特式艺术成为完全为上帝歌颂光荣的文明信仰的反映。早期的杰山典范有巴黎圣母院和沙特尔大教堂。也许正是由于中世纪雕塑长期受到桎梏和压抑才会产生十五世纪出现的之艺复兴的非凡的爆发力。

    从十四世纪起,在意大利,由于人对自身价值的重新肯定和对世界的发现导致了文艺复兴运动的发生。在这一时期,艺术家们将人作为了自己美学象征和追求的对象。在十五到十六世纪的上半叶这种思想得到发展与传播,从而彻底的改变了欧洲的面貌。许多雕塑大师在这时相继涌现。比如多那太罗、米开朗基罗、博隆那等,文艺复兴的雕塑以共完美

    的技巧、宏伟的气魄和深刻的思想标志着欧洲雕塑史上继希腊罗马以后的第二个高峰,米开朗基罗则是文艺复兴时期最重要的雕塑家。他的一身创作了无数艺术精品构成了这一时期的最经典的范式。十九世纪伟大的雕塑家罗丹曾经总结说“菲底亚斯的雕像由四个面构成,而米开朗墓罗的雕像则由两个面构成。”米开朗基罗作品的形体构成变化不是轻微的而是激烈而扭曲的。在创作中米开朗基罗强调遣“应该用眼睛而不是手去测量,因为手只会制作,而眼睛才会判断。”米开朗基罗的作品中流露出强烈的人文主义色彩,特别是他后期的作品运用强烈对比的造型来宣泄内心悲愤的倾向越来越明显。1520年左右到十六世纪末出现了风格主义,该时代艺术家们缺乏个性,缺乏创造性,一味的创作出一套完整的雕塑范式,摹仿前人的样式,使它成为了文艺复兴这一辉煌时代的后继衰落阶段。此后罗马出现了巴洛克风格的艺术,巴洛克艺术盛行于十六世纪末和十七世纪的欧洲。它通过绘画、建筑构成了一种潮流,推进了欧洲的文明。这时最为重要的雕塑家是贝尼尼,他以几乎可以乱真的写实技巧被称为“巴洛克时期的米开朗基罗”。贝尼尼的作品在表达激情或宗教狂热时所使用的人体语言更加的复杂,这种“体积”的扭动,夸张的表情,起伏的形体和流畅的线条,使作为华丽的宫廷雕塑以其戏剧性的效果和纪念碑的气势,焕发出强烈的艺术魅力。比较文艺复兴时期的雕塑巴洛克时期的雕塑少了些庄严、肃穆和正襟危坐的感觉,它广泛的进入人们的生活,更加的世俗化。在十七世纪同时与巴洛克平行发展的还有法国的古典主义雕塑。这种风格追求严谨、宏伟的和谐及平直的线条,它正好与巴洛克以曲线为主的形式相反。 十八世纪,在法国宫廷中最先出现罗可可美术。这种艺术形式在1720年至1760年间得到了充分的发展。它是从巴洛克背景中自然演变出来的,并自觉脱离了巴洛克风格,罗可可风格的雕塑在气势上不象巴洛克时期的那样有力,它追求纤细柔弱的艺术效果。罗可可雕塑家的代表人物有法尔孔奈、克洛狄翁等。在十八世纪中叶新古典主义艺术在罗马兴起,并且迅速扩大到欧洲的其他地方。该运动寻求以绝对美的理沦为美学理想,来抨击罗可可的肉欲倾向及形式繁琐。新古典主义雕刻流行于1790年至1840年其代表人物有意大利的卡诺瓦、丹麦的托尔瓦德逊、法国的乌东等。其中乌东在肖像雕塑方面有着很深的造诣,他的著名的作品有《伏尔泰像》。

    十九世纪,巴黎取代了罗马成为了欧洲的学问艺术的中心。随着资本主义的繁荣,雕塑艺术的发展也开始多样化,出现了许多流派和主义,除了上一世纪就有的新古典主义外还先后交叉出现了浪漫主义、写实主义。

    十八世纪,浪漫主义出现在欧洲,到十九世纪五十年代左右渐渐衰落。浪漫主义运动宣告丁人与个性先于一切的地位,它以强烈的感觉和想象回答了冷淡的理性王国,表现了对新古典主义的反叛。它标志着艺术与往昔一切想法的彻底决裂。浪漫主义雕塑的代表人物是吕德,他是巴黎凯旋门著名的《马赛曲》雕塑的编辑,他以象征的手法使雕塑在表现为正义而战的人民时激情涌动。还有大卫?安格尔斯和巴地斯特?卡尔波也是浪漫主义的代表人物。

    十九世纪五十年代前后,法国的现实主义运动诞生,现实主义是以反对美术院中将艺术置于一些僵死的原则之下为目的,该运动试图使艺术重新接近于日常生活,在现实中寻找灵感去达到艺术理想。现实主义雕塑家中以罗丹的成就为最高。在西方的雕塑史上他被视为继米开朗基罗之后的又—巨匠,同时他还在雕塑史上充当厂一个承前启后的角色,是他给辉煌的占典雕塑拉上了帷幕,是他叩响现代雕塑的大门。从罗丹开始,自古希腊流传下来的这种以敬重客观真实之美为基础的艺术形式墓本—卜达到顶峰,此后的西方艺术家转而追求的是作品所表达的心灵的真实。大家看到罗丹的人体之所以感动大家的不再是它怎样的逼真,而是透过坚硬的雕塑有一股生命力在向外膨胀,而是那些仿佛颤动的形体激起了大家灵魂的悸动。罗丹的创作和艺术思想对于后世的雕塑有着深远的影响。他的代表作有《思想者》、《吻》、《巴尔扎克像》等。

    多元化的现代雕塑

    西方雕塑在进入二十世纪以后有了很大的变化,一方面自希腊罗马的写实雕刻传统还在继续,比如东欧的—些田家的雕塑家主要以写实的方法进行创作。另一方面,实验性艺术的兴起转而取代厂学院派艺术,成为了主流。从事实上看西方现代雕塑的兴起非常有趣。在当时雕塑家尚无新意而一批画家率先开始了现代雕塑的实验性探索,其中罗索以蜡为媒介的创作超越了传统雕塑的限度;马蒂斯对线的韵律的强调与传统体量观念产生了背离,具有极大的启示性。

    立体主义的产生掀开了雕塑史的现代部分新篇章。1909年毕加索的作品《妇女头像》是一个重要标志,立体主义在雕塑语言内部建立了一种以几何形体的构成为基础的自身逻辑。这时的雕塑已不再是对视觉表象的忠实记录,它与传统的雕塑观念产生了决定性的断裂。立体主义的雕塑家除了毕加索以外还有:阿基本科、杜桑—维龙、利普希茨、劳伦斯、查德金等。他们在立体主义雕塑上的探索又有着他们各自的特点。

    未来主义以强调动力论为原则。其代表雕塑家是波丘尼。俄国的构成主义采用轻、薄、透明的材料,以透空框架的形势去包围和界定空间,彻底背离了以体量为基础的传统雕塑概念,并明确提出了雕塑作为空间艺术的要点。其代表雕塑家有加波、佩夫斯纳,塔特林、莫霍利等。他们积极地利用新材料去探索构成主义雕塑关于空间、时间和运动的观念。

    达达主义的杜桑把小便器作为艺术品展出,是对传统意义—卜的伦理、道德、美学提出的新的挑战。它强调的是一种精神状态。包括施威特的“默兹结构”都说明了这一点。达达的美学思想广泛影响了以后的现代派艺术。

    受达达派影响的超现实主义注重对器官和潜意识中的形体的表现,追求艺术的非理性与偶然性效果。其代表雕塑家有恩斯特、亨利?摩尔、考尔德。

    二战后西方的现代雕塑表现出焦虑、恐惧、绝望、孤独的情绪。这类作品的突出特征是引起丑恶感和恐怖感,如贾。科梅蒂、里希埃、包洛奇等。

    20世纪50年代以后,新达达、集合艺术、废品雕塑、波普艺术、超级写实主义艺术都有着受达达主义影响的血缘关系,如奈微尔逊、塞萨、西格尔、汉森、奥登伯格等艺术家的作品。他们通过种种方式——对现成物品的集合、对工业废品的重新处理、对新材料的综合利用、甚至用活人体翻制模型等进行创作。他们表达了对工业文明的怀疑与赞美、批判与肯定的复杂情绪。

    抽象构成雕塑和活动雕塑在战后走向了室外,成为了人尺度纪念性艺术,包括固定雕塑、活动雕塑和最低限艺术,这方面的代表艺术家有考尔德、史密斯、卡罗等。雕塑中对光因素的利用,在战后与新科技能源观念进一步的结合了,如蔡文颖、舍弗尔等利用电器灯光、雷射等手段,扩展了光雕塑的虚象体积、反射表现、幻象性的光学装置等成果。

    身体艺术、行为艺术是受达达主义影响的另一种发展它是通过身体绘画、局部纹身、割体以及身体动作等刺激性手段去表达他们的种种观念。他们以身体为独立的表现素材,如谢德庆、克里斯托等。

    西方雕塑从占希腊时期的辉煌到现代派雕塑的繁荣,其发展有着历史的必然性,并且有着其学问的内在特征。是其学问特性的逻辑发展。从视觉艺术的角度,大家是否可以来作一番探讨。

    首先,古希腊雕塑受古埃及雕塑的影响,从“正面律”程式发展到“对立方式保持躯体平衡”的原则,这样从技术的角度来看,人体雕塑从僵直的造型发展成充满生命力的雕塑,如《掷铁饼者》的问世。这种技术的飞跃其内核原因是“摹仿说”的美学思想的明确提出。这二思想影响了整个西方雕塑古典时期。

    “摹仿说”如同一张镜子,它要反映视觉的真实。因此艺术家必须研究雕刻技术、材料、人体结构、运动规律等,再现视觉真实的一系列技术问题。但是,艺术家是人,中学问的人,他不可能像镜子一样被动地反映世界,在雕塑的制作过程中,艺术家的感情,审美观念也自然融入作品。因此人体雕塑同样可以表现感情和艺术家自身的审美情趣,时代的不同它也有不同的变化。文艺复兴时期的米开朗其罗两个“面”来理解人体雕塑,表达山强烈的人文主义关怀。十九世纪末的罗丹把人体雕塑语言,运用得出神入化。他的雕像的形体动态以及每一块肌肉,都表现出一种思想感情,有人曾比喻《思想者》是用整个身体的每—块肌肉在思想。

  3. 用心专注服务专业;?中国雕塑发展史;一、史前雕塑(公元前6500年-公元前1600年;中国迄今发现最古老的雕塑,属新石器时代氏族公社繁;二、商周雕塑(公元前1600年-公元前221年);这个时代雕塑作品侧重于动物外形的器皿、饰物和人物;用心专注服务专业;司母戊大方鼎身呈长方形,口沿很厚,轮廓方直,显现;三、秦代雕塑(公元前221年-公元前206年);公元前2

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    ? 中国雕塑发展史

    一、史前雕塑(公元前6500年-公元前1600年)

    中国迄今发现最古老的雕塑,属新石器时代氏族公社繁盛阶段的遗物。原始社会雕塑对探讨社会发展进程、研究造型艺术与意识形态的历史,具有重要意义,所以历来深受人们的重视。这一时期雕塑的造型还都是依附整体器物上的饰物,均为粗略的,夸张式的,具有极强装饰性。其中最具代表性的当属陶塑人像。(见图1)石雕与骨雕人像仅有少量出土。

    二、商周雕塑(公元前1600年-公元前221年)

    这个时代雕塑作品侧重于动物外形的器皿、饰物和人物的捏塑,形体小巧,造型粗略,带有浓厚的人情味。青铜器艺术代表了商周雕塑的最高水平。此时的青铜作品虽然多具实用目的,但已初步具备了雕塑艺术的特性。一些夸张、变形、奇特的纹饰,渲染了威严神秘的气氛,形成了端庄、华丽、气质伟岸、形象乖张的艺术特性,突出反映了商周时期人们的审美观和对自然环境的理解。鼎是这一时期典型的雕塑作品。而《司母戊大方鼎》就是此期间最著名的作品之一。(见图2)

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    司母戊大方鼎身呈长方形,口沿很厚,轮廓方直,显现出不可动摇的气势。鼎的周围则布满商代典型的兽面花纹和夔龙花纹。它凭借庄严的造型,庞大的体积和神秘的花纹,成为商朝贵族王权与神权艺术的最典型代表,同时也是研究中国古代历史的重要史料。

    三、秦代雕塑(公元前221年-公元前206年)

    公元前221年,秦始皇统一中国之后,建立专制统治国家,即利用雕塑艺术为宣扬统一功业、显示王权威严的政治目的服务,在建筑装饰雕塑、青铜纪念雕塑、墓葬明器雕塑等方面,都取得了划时代的辉煌成就。

    秦代是中国封建社会上升期,在雕塑作品上,秦追求写实逼真。雕塑在建筑装饰、陵墓装饰和“明器”中发展,形成雕塑史上的第一个高峰。秦建筑装饰表现在宫室、苑囿、亭阁楼榭和陵墓神道建筑上。最为壮观的是被称为世界 “第八奇观”的秦始皇陵出土的兵马俑。(见图3)

    兵马俑的发掘,给世人展示了秦代雕塑艺术的辉煌成就。其

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    兵俑形态各异、栩栩如生;其马俑身材矫健、活灵活现。人物雕塑更注重面部的形象刻画,神态万千、精细逼真,秦俑坑发掘的铜马车更是雕塑艺术史上的奇迹。充分体现了主导那个时代的高大、雄健的风尚。

    从总体看,秦代雕塑的风格特点是浑厚雄健,朴实厚重,庞大强壮,气魄宏大,体现出封建社会的上升期的积极向上、朝气蓬勃的精神风貌,具有崇高的力和数的巨大、超常的审美特征。

    四、汉代雕塑(公元前206年-公元220年)

    汉代雕塑在继承秦代恢弘庄重的基础上,更突出了雄浑刚健的艺术个性。这一时期的墓葬雕塑特别发达,已从秦陵地下墓葬的雕塑的形式发展到地上的陵墓表饰。在形式上突出了石雕作品的雄浑之势和整体之美。

    汉代雕塑作品的品种和数量相当丰富,呈现出的主体面貌浑厚简练、生动完整。这个时期雕塑艺术成就,突出表现在大型纪念性石刻和园林的装饰性雕刻上,其中汉代骠骑将军霍去病墓石刻就是留存至今的一组非常具有代表性的大型石雕作品。

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    霍去病墓石刻群雕在中国雕塑史上有着十分重要的地位。它打破了汉代以前旧的雕刻模式,建立了更加成熟的中国式纪念碑雕刻风格,具有划时代的意义。这些作品以其简洁的造型,粗犷的风格,宏大的气势,不仅寄托了对英雄的歌颂和哀思,也反映了正处于上升时期的汉代统治阶级那生机勃勃的精神面貌。霍去病墓的石刻群雕,是中国古代雕塑艺术发展史上的一座里程碑,对后世陵墓雕刻的艺术风格产生了极其深远的影响,是汉代以后中国古代大型纪念碑雕刻的典范之作。

    而《马踏匈奴》(见图4)是整个群雕作品的主体,同时也是这些雕塑所讴歌的主题。 整个作品风格庄重雄劲,深沉浑厚,寓意深刻,耐人寻味,既是古代战场的缩影,也是霍去病赫赫战功的象征。雕塑的外轮廓准确有力,形象生动传神,刀法朴实明快,具有丰富的表现力和高度的艺术概括力,是我国陵墓雕刻作品的典范之作。

    五、魏晋南北朝雕塑(公元220年-公元581年)

    魏晋南北朝是一个佛教思想与儒学思想碰撞、交融时期。因此,统治者利用宗教大建寺庙,凿窟造像,利用直观的造型艺术宣传统治者思想和教义。代表性的石窟为:敦煌石窟、云冈石窟、

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    龙门石窟、麦积山石窟等。(见图5)

    石窟内雕塑大量的佛像,有石雕、木雕、泥塑、铸铜等,佛像雕塑遂成为当时中国雕塑的主体。这些石窟在发展中不断增加新的雕塑作品,历代都对石窟进行重修、扩建、新增和补充。

    石窟艺术在中国雕塑中很有代表性,如东晋时期的戴逵,擅长雕刻和铸造佛像,他在建康瓦棺寺所作的玉躯佛像,与顾恺之的壁画《维摩诘图》和狮子园的玉像被称为“瓦棺寺三绝”。这个时期的雕塑特点为较注重细部的刻画,技术更圆转达纯熟,雕塑形象和题材大都为宗教题材,因而雕塑形象具有神化倾向和夸张的特征。宗教使雕塑艺术的题材单一化,但宗教精神的内在动力却也促进了大量精品的诞生。

    六、隋唐雕塑(公元581年-公元907年)

    中国隋唐时代在经历了延续约 3个半世纪的分裂和动荡以后,重新得到统一和安定,进入一个政治经济空前繁荣的历史时期,从而促使雕塑艺术的发展出现新高峰。经过隋和初唐的过渡阶段,融会了南北朝时北方和南方雕塑艺术的成就,又通过丝绸之路汲取了域外艺术的养分,使雕塑艺术大放异彩,创造出具有时代风格的不朽杰作。

  4. 用心专注服务专业;隋唐是中国封建社会的鼎盛期,也是文学艺术发展的鼎;龙门石窟在经历魏晋唐多个朝代的开凿后,随历经千年;此时的佛雕作品既博大凝重之态,又不失典雅鲜活之美;七、宋及金雕塑(公元960年-公元1279年);宋代以城市为中心的商品经济空前繁荣,市民阶层壮大;用心专注服务专业;渐渐模糊了,代之而起的是更接近现实生活的形象;大足石刻是我国石刻艺术的精品;

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    隋唐是中国封建社会的鼎盛期,也是文学艺术发展的鼎盛期。宗教造像艺术、陵墓的装饰雕刻艺术、陪葬的陶瓷雕塑艺术、肖像造型艺术等都进入一个空前繁荣时期。宗教造像艺术在唐代有长足发展,其中比较有代表性的有敦煌石窟,龙门石窟等。

    龙门石窟在经历魏晋唐多个朝代的开凿后,随历经千年岁月的风霜,仍不失其神秘华丽之彩。龙门奉先寺群雕更显示出大唐帝国的强盛。其中奉先寺大卢舍那佛龛是最为辉煌的杰作。(见图6)其九尊一铺的形式为一佛、二弟子、二菩萨、二天王、二力士,还有二尊供养人雕像。是一个有主有宾、层次井然的有机整体。这也是意想造型中强调人是审美主体的观念。

    此时的佛雕作品既博大凝重之态,又不失典雅鲜活之美。其雕塑风格的多样化与技巧的纯熟已达到了史无前例的水平。

    七、宋及金雕塑(公元960年-公元1279年)

    宋代以城市为中心的商品经济空前繁荣,市民阶层壮大起来,代表市民趣味的审美观念随之兴起。与此同时,理学的兴盛使人们更关心现世生活,关注来世的佛教日趋衰落。因此,宋代的佛教雕塑无论内容还是风格都明显世俗化,那些神圣不可及的面貌

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    渐渐模糊了,代之而起的是更接近现实生活的形象。造像艺术集中转入南方,如广元、大足、安岳、杭州、赣州都是摩岩造像较集中之地。(见图7)

    大足石刻是我国石刻艺术的精品。尽管它的开凿有着宣扬佛法说教的主旨,但雕塑匠师的高超手段,至今仍使人们为造像之精妙而赞叹不绝,从而受到无上的精神享受。大足石刻无愧为中国雕塑史上的一大奇观。

    在世俗题材方面,宋的陵墓石刻多沿袭唐之传统,但气势渐弱。继中晚唐之后的宋代雕塑进一步生活化、世俗化,创作手法上趋于写实风格,材料使用上则更加广泛。宋代的彩塑较为发达,在佛雕造像上较唐代有了较大变化,此时的佛雕造像以观音菩萨居多。

    辽、西夏、金等少数民族的雕塑作品主流风格仍多受宋影响,但在不同程度上呈现出了其民族的特色。

    八、元明清雕塑(公元1279年-公元1911年)

    中国蒙古族统治者早在建立元代之前,便先后仿照汉族建筑

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    样式,营建上都及大都两个都城。而分布各地的寺庙塑像、石窟造像等亦展示了元代雕塑艺术的概貌。进入元代,统治者重视手工业,雕塑作为其中重要的组成部分也得到了一定的发展。

    明清两代,宗教观念进一步淡薄,此时的宗教雕塑在缺少内在信仰的状态下,显现出缺乏创造性和生命力的程式化倾向。而明清的世俗雕塑艺术多趋于装饰化和工艺化。这些雕塑大多更强调实用性与玩赏性功能,体现出工艺品的特色,而早期雕塑那种强烈的精神性功能则大大削弱了。但是,这些装饰性、玩赏性的作品往往不受陈规限制,面貌各异,这也可以算是明清时期雕塑艺术的一个亮点。其作品造型一般小巧玲珑、精致剔透、精雕细凿,缺乏大气之作和大型之作,艺术上逐渐转向个人化、内聚性的风格。

    而一些与广大人民群众尤其是市民群众及常识阶层有着较密切关系的各种小型的案头陈设雕塑和工艺品装饰雕刻,则有显著的发展,出现了生机勃勃的景象,代表着这一历史时期雕塑艺术的新成就。

    明清帝陵的陵墓表饰较前代规模更大,像设更多,布置讲究、技术娴熟,但其既缺乏唐代的超然、也缺乏汉代的雄浑,此时的

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    作品更能满足人们的赏心悦目之功能,失去了前代的创造活力。 明清雕塑有明显追随唐宋风格的痕迹,在名目繁多的寺庙里,供奉着各式各样的神像,其造像多为彩塑,即泥塑彩绘。从题材到表现手法日趋世俗化、民间化,形成了工巧繁缛、萎靡纤细、色彩亮丽的艺术风格。如泥彩塑千手观音。(见图8)

    九、现代雕塑(公元1911年后)

    进入20世纪后,中国传统的宗教雕塑已处于衰落时期,民间小型雕塑虽很繁荣,但未能成为主流。辛亥革命及五?四运动前后到30年代,许多青年赴英国、美国、日本等国学习雕塑。他们归国以后,大多从事艺术教育,成为中国近现代雕塑艺术的开拓者,促进了中国各种形式雕塑的发展。这个时期比较大的创作有为纪念孙中山和其他民主革命家塑制的纪念像和设计抗日战争英雄纪念碑等。

    中华人民共和国建立后,中国的架上雕塑、大型纪念性雕塑、园林雕塑、城市环境雕塑民间雕塑与大型泥塑群像等雕塑艺术都有了长足发展。如江小鹣作的《孙中山立像》、王丙召作的《金田起义》等。(见图9)标志着中国雕塑艺术又进入了一个全新的阶段。

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    西方雕塑发展史

    一、史前雕塑

    新石器时代开始后,人类被迫放弃狩猎成为牧人、农民,各种手工艺术得到了充分发展。外国最早的雕塑是在人类为劳动和生活需要创造生产力极低的劳动工具–石器工具的同时创造的雕塑艺术。其经历的时间漫长,演变反映了史前人类学问逐渐丰富的过程,在这一时期没有明显的地域性分别,所以它标志这整个人类文明的最初探索,而不是单一的代表某一民族。

    比较著名的史前雕塑是距今25000年前的威伦道夫的维纳斯。(见图10)他塑造的滚圆丰满的妇人形象,表达了原始人对丰产的象征性渴望。

    二、古典雕塑

    1、原始时期

    西方雕塑的传统发源于古希腊和古罗马学问,但古希腊雕塑却又曾经被古埃及雕塑深深的影响过。

    随着社会生产力的发展与原始公社的瓦解,世界上先后出现

  5. 用心专注服务专业;了最早的奴隶制国家,古埃及就是其中之一;埃及雕刻是为法老政权和少数奴隶主贵族服务的;埃及雕刻达到如此卓越的成就,是埃及雕刻家经过长期;希腊雕刻的题材大部分取自神话或体育竞技;用心专注服务专业;成就辉煌,雕塑艺术是这个时期灿烂的学问成果的一个;爱琴海上有许多小岛屿,其中巴罗斯岛盛产大理石,为;古风时期是雕刻家的训练阶段;古希腊的雕刻家们对人体

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    了最早的奴隶制国家,古埃及就是其中之一。埃及的雕塑艺术大约始于公元前4000年,建筑业的诞生,孕育了艺术装饰的萌芽。它长期保存了原始社会的残余,埃及的神话与宗教信仰支配了雕塑的形成和发展过程。神话、宗教信仰的保守性是决定埃及雕刻发展迟缓的主要原因。

    埃及雕刻是为法老政权和少数奴隶主贵族服务的。由于受宗教思想意识支配,严格服从上层社会的审美观点和需要。古埃及雕刻除陵墓中一部分作品外,最有影响的还是陵前和神庙的装饰雕刻及纪念性雕刻。金字塔就是最著名的雕塑。其中最高的是胡夫金字塔,金字塔前的巨大狮身人面像采用一整块巨大岩石雕成,是古代最庞大、最著名的雕刻。(见图11)

    埃及雕刻达到如此卓越的成就,是埃及雕刻家经过长期的探索得来的。它的雕塑艺术在古代世界美术史留下了灿烂的一页。 古埃及雕塑的审美理想是追求永恒,而古希腊雕塑的审美理想是追求真实的美。

    希腊雕刻的题材大部分取自神话或体育竞技。当时,一些开明的统治者除致力于内政武力外,还提倡发展美术和文艺,在公元前6世纪以后的几百年中,古希腊科学、文学、艺术的名家辈出

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    成就辉煌,雕塑艺术是这个时期灿烂的学问成果的一个重要方面。

    爱琴海上有许多小岛屿,其中巴罗斯岛盛产大理石,为雕刻提供了最好的材料。希腊雕刻就艺术风格的变化、发展而言,可分为古风时期、古典时期和希腊化时期。

    古风时期是雕刻家的训练阶段。这个时期经过雕刻家的长期探索,为后来的雕刻家开辟了道路。其中最著名雕刻家是米隆。《掷铁饼者》是他的代表作品。(见图12) 古典时期,希腊人的社会思想和宗教观念起了很大的变化,雕刻艺术逐渐趋向强调人物性格情感的刻画。希腊化时期,雕刻家继承了传统的技法,赋予作品以新的生命力和新的特色。

    古希腊的雕刻家们对人体有丰富的常识和高度的写实技巧。处理衣纹线条生动流畅而有变化,不仅表现出衣服的质感,而且通过衣服表现人体的优美。希腊雕刻创造了崇高、典雅、完美的人物形象。

    古罗马雕刻很大程度上是在继承了希腊雕刻遗产的基础上发展起来的,且在肖像雕刻方面却有独特的贡献,这与罗马人崇拜祖先遗容的传统风俗是分不开的。

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    由于僧侣风俗和祭祀礼节的流行,古罗马雕刻家较多刻画着衣人物形象。罗马早期雕刻被少数奴隶主、贵族所垄断,当时的雕刻家们雕刻的不少罗马皇帝的形象,是把罗马皇帝当做英雄的统帅来表现的。如梵蒂冈博物馆收藏的一尊《奥古斯都》,(见图

    13)表现了罗马皇帝手执权杖,正在向部下训话传令的瞬间动作。

    这段时间的肖像雕塑以写实的风格见长。雕刻家们善于运用夸张、概括的艺术手法,细致地刻画人物,舍去繁琐的东西,加强运动感。除此之外,古罗马雕刻家还在罗马的建筑、广场、纪念柱等上面装饰了许多圆雕和浮雕。三世纪较有名的建筑为塞普提米乌斯、谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室。

    古罗马雕塑是西方古代文明的重要组成部分,它对西方现实主义雕刻的发展作出了杰出的贡献。

    2.欧洲中世纪时期

    历史上一般称欧洲的封建社会为“中世纪”,艺术史上把古罗马以后到文艺复兴前这段时间的西方艺术称为“中古世纪的艺

    术”,它延续了1200年左右。在中世纪的欧洲,基督教成为封建统

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    治的有力支柱。因此,欧洲中世纪的雕塑主要为基督教服务。

    中世纪盛期的学问艺术,经历了罗马式时期和哥特式时期。教堂建筑成为当时主要艺术载体,许多优秀雕刻家从事教堂建筑的装饰雕塑和内部陈列的圆雕工作。罗马式教堂以其坚厚、敦实的形体显示教会的威力,哥特式教堂以其灵巧、尖挺的上升力量控制观者的精神感情。哥特式教堂代表了中世纪建筑艺术的最高成就,如著名的巴黎圣母院等。(见图14)

    3.文艺复兴时期

    14世纪的法国雕塑中,哥特式艺术反映现实倾向增强,对人物姿态、表情、形体等方面开始夸张强调,为宗教服务的哥特式雕塑开始出现了新兴资产阶级艺术的萌芽。中世纪的雕塑有精华有糟粕,许多作品中充满迷信、荒诞的宗教内容,但从艺术遗产的角度来看,当时的雕塑家们也创造了不少属于人民的、有积极因素的好作品,在世界美术史上占有相当重要的位置。

    从15世纪后半叶开始一直16世纪,文艺复兴学问在欧洲许多国家产生和形成。在欧洲的许多先进国家里,学问艺术达到了高度繁荣,文艺复兴掀起了欧洲学问艺术发展的一个高峰。文艺复

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    兴学问是反对封建宗教的学问,提倡复兴希腊罗马古典学问,起领导作用的是正在形成中的资产阶级。

    文艺复兴时期的雕刻,继承并发展了希腊、罗马雕刻艺术的传统,使雕刻艺术达到了高度繁荣,最先出现的雕刻大师是季培尔蒂,佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作。(见图15)

    而伟大的雕刻家米开朗基罗的出现,则标志着文艺复兴时期的雕刻艺术发展到了最高峰。他们以写实的手法,用准确的人体剖解学,塑造人物形象,使人的形态有很强的力度感,以雕刻的艺术语言塑造传神的形象和高度的技巧手法。文艺复兴时期的雕刻艺术对后期的雕刻家有极大的影响。

    4.封建主义向资本主义过渡时期

    1520年左右到十六世纪末出现了风格主义,此后罗马出现了巴洛克风格的艺术,它通过绘画、建筑构成了一种潮流,推进了欧洲的文明。这时最重要的雕塑家是贝尼尼,他的作品在表达激情或宗教狂热时所使用的人体语言更加复杂,夸张的表情,起伏的形体和流畅的线条,使作为华丽的宫廷雕塑以其戏剧性的效果

  6. 用心专注服务专业;和纪念碑的气势,焕发出强烈的艺术魅力;在十七世纪与巴洛克平行发展的还有法国的古典主义雕;1790年至1840年新古典主义雕刻开始盛行,其;之后又出现了浪漫主义、写实主义和法国现实主义运动;三、现代雕塑;西方雕塑在进入二十世纪后有了很大的变化,一方面自;用心专注服务专业;立体主义的产生掀开了雕塑史的现代部分新篇章;未来主义以强调动力论为原则;

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    和纪念碑的气势,焕发出强烈的艺术魅力。

    在十七世纪与巴洛克平行发展的还有法国的古典主义雕塑,它追求宏伟及平直的线条,与巴洛克以曲线为主的风格正好相反。十八世纪,法国宫廷中最先出现了罗可可美术。它是从巴洛克背景中演变出来的,并脱离了巴洛克风格,代表人物为法尔孔奈。

    1790年至1840年新古典主义雕刻开始盛行,其中乌东在肖像雕塑方面有很深的造诣,代表作为《伏尔泰像》。(见图16)

    之后又出现了浪漫主义、写实主义和法国现实主义运动,其中以现实主义雕塑家罗丹的成就最高。他的创作和艺术思想对于后世的雕塑有着深远的影响。他的代表作有《巴尔扎克像》、《思想者》等。(见图17)

    三、现代雕塑

    西方雕塑在进入二十世纪后有了很大的变化,一方面自希腊罗马的写实雕刻传统还在继续,另一方面,实验性艺术的兴起转而取代了学院派艺术,成为了主流。

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    立体主义的产生掀开了雕塑史的现代部分新篇章。1909年毕加索的作品《妇女头像》。(见图18)是一个重要标志,立体主义在雕塑语言内部建立了一种以几何形体的构成为基础的自身逻辑。它与传统的雕塑观念产生了决定性的断裂。

    未来主义以强调动力论为原则。其代表作家是波丘尼。俄国的构成主义以透明框架的形式去包围和界定空间,彻底背离了以体量为基础的传统雕塑概念。他们积极地运用新材料去探索构成主义雕塑关于空间、时间和运动的观念。

    达达主义的杜尚把小便器作为艺术品展出,(见图19)是对传统意义上的伦理、道德、美学提出的因的挑战。达达主义的美学思想广泛影响了以后的现代派艺术。之后的超现实主义也深受达达主义的影响。

    20世纪50年代后,新达达、集合艺术、废品雕刻、波普艺术、超写实主义艺术都有着受达达主义影响的血缘关系。

    抽象构成雕塑和活动雕塑在战后走向了室外,成为了大尺度纪念性艺术。雕塑中对光因素的利用,在战后与新科技能源观念进一步的结合了。身体艺术、行为艺术是受达达主义影响的另一种发展。

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    西方现代雕塑呈现出一片欣欣向荣的繁荣景象。

  7. 首先,由地理环境和社会组织结构的不同所决定的中西方雕塑在题材与形式上的不同 。地理环境和地理条件对学问的产生及形成有直接的影响,这是不争的客观事实。中西方的不同的地理环境决定了各自不同的生活方式,而不同的生活方式又决定了不同的社会组织结构。
    其次,在中西思维模式发展过程中,西方的学问又形成了重视逻辑推理的思维模式,它结合古希腊的科学主义和理想主义,为雕塑艺术的典范奠定了重要基础;中国的学问则形成了强调直观意向的思维方式,它通过直觉来直接体验、感悟并把握对象。这种思维方式超越了逻辑、概念而更长于悟性,这种所谓的“豁然贯通”、“点石成金”,也形成了与西方注重分析、偏于抽象的思维模式的不同学问特质。
    这种学问特质表现在造型艺术上,便形成了中国雕塑注重意向浑融,注重通过意向之后的表现,从而也形成了中国艺术注重营造意向的观念。这种偏于象征、表现、写意、追求美和善统一的思维模式与西方注重再现、模仿、写实、追求美和真统一的思维模式也造成了中西传统雕塑中最大的差异。
    再次,中西雕塑在功能和类型上的差异。
    雕塑艺术作为上层建筑,同其他社会意识形态既有联系又有区别,在反映社会生活方面,中西雕塑都十分强调其社会功能。归纳起来主要有认识作用、教育作用和审美作用等三个方面。中西雕塑源于学问背景的差异,在社会目的和作用方面也有着一定的差异。中国的古代雕塑与巫史学问、宗法制度、礼乐丧葬、宗教学问等社会功能都紧密地联系着,它从学问形态上就已经限制了中国古代雕塑的基本发展形式。
    中西雕塑在类型上的不同则体现在两点:
    1.希腊的雕塑自古希腊以来就形成了公共性的特征,而中国的雕塑则是封闭的。
    2.西方的雕塑与建筑经历了从一体到分离的发展过程;而中国古代雕塑除了墓俑雕塑和工艺性雕塑外,几乎与建筑从未分离,这既是西方雕塑能独立发展的原因,也是中国雕塑对建筑长期依附的原因。

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